怎么看待加入交响乐的京剧伴奏？

何许人

书蠹诗虫，好梨园茶事，文人美学，日本古美术品行业，OGC。

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以下援引华东师范大学着名戏曲研究学者翁思再先生的观点：

关于“京剧交响”

1933年程砚秋在《赴欧考察戏曲音乐报告书》里提出借鉴西方音乐经验。1942年他在上海黄金大戏院演《春闺梦》，乐队里加了小提琴。上世纪六七十年代的现代京剧运动，使得西洋管弦乐队成建制地介入京剧乐队，其音乐的成功已经为后世的流行所证实。一般评价把现代京剧运动以政治和艺术作两分法，良有以也。

然而是不是所有京剧乐队都要引进洋乐器呢？不然。

作为世界非遗的京昆传统经典需要完整保护，若改得似驴非马就失却了认识价值。京剧是角儿的艺术，其中一个重要看点即是唱伴之间的随机性。同一出戏，不同演员有不同唱法，即使同一个演员在不同场次也会有各种即兴发挥，因此老戏乐队就很简练，只有所谓“三大件”，乐器过多就难免“互搅”，影响同演员的灵动配合。这就是老戏常演常新、流派纷呈的魅力所在。今后无论京剧怎么发展，这个本体意义上的伴奏方式是不能放弃的。

可是我们看到，有些剧目本来“三大件”伴奏很协调，却非要在乐池里摆个大乐团，所显示的音乐气质与具体剧情不符。附带说一下：有的地方戏的唱腔资源单调，缺乏抒情性，却也增加许多洋乐器，结果动辄提琴拨弦，多数乐手闲置。有一次我观摩“交响评弹”，整个中篇评弹惟有一个唱段没用“交响”而仅以琵琶伴奏，结果该段获得掌声最多，这不啻是一声警钟。不恰当的“交响化”是庸俗进化论和文艺浮夸的表现。

或许有人会质疑，前几年我参与创作的京剧《大唐贵妃》怎么用了中西合璧的乐队呢？这需要做点分析。

现在实际上有两种京剧样式，一种是主要以“三大件”伴奏的传统戏，另一种是以中西合璧大乐队伴奏的现代京剧。至于新编古装戏《大唐贵妃》的呈现样式，我们是经过反复论证的。其剧情有辉煌的宫廷气质，所结构进去的经典梅派唱腔，抒情性强，具备“交响”回旋的空间，加之这是为上海国际艺术节的开幕式专门打造的剧目，于是创作组就决定参照现代京剧的音乐经验，并进行“后开发”。实践结果，剧中李隆基和杨贵妃因音乐而结缘、后宫梨园胜况、长生殿盟誓、安禄山叛变、马嵬坡求死及仙乡续缘诸情节，都在中西合璧大乐队的烘托下得到有力的渲染，梅兰芳的人文精神也由此得到提纯和升华。这是传统小乐队所不能奏效的。该剧首轮5场演出就回收了全部投资300万人民币。后来，剧中几个唱段经常闻诸票房，主题歌《梨花颂》还流行在手机彩铃和广场舞。这是在“一戏一格”的方针指导下周密论证的结果，也说明我们所反对的是盲目贪大求洋，并非一概反对“洋为中用”。

编辑于 -09-26

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煜熺

一如红楼梦不醒

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不少人认为中国戏曲就像是西方歌剧一样的，广义上来说确实可以这样理解，但是要是说完全等同就有些问题。首先艺术门类就不一样，表现方式也不一样。

有人觉得中国京剧可以和西方的歌剧融合，因为都是用喉咙唱，都是在“唱歌”。两种艺术放在一起，那就是完美的文化交融。但是，戏曲不只是唱，戏曲有四功五法，不仅要看唱也要看身段，看锣鼓点。虽然都知道唱的技巧是为了丰富表现人物，但是大部分人的评价标准还是把高音和炫技放在第一位，大家可以留心一下，往往大家说的唱功特别好的歌手都是特别能飙高音的。

其实运用技巧也是歌手表现情感的方式，只不过三流的歌手靠吼，二流的歌手靠唱，一流的歌手是讲故事。

歌剧图兰朵

从图兰朵的穿搭大概可以看到西方歌剧融合中国文化的效果，也是“不伦不类”

大多数人都接受了飙高音的人物设定，所以对低吟浅唱，讲故事类型的歌手不再追捧，这也造成了歌坛的歌手大都拼命飙高音的现状，其实这种现状主要是观众的审美问题。

放在歌剧上也是，一说歌剧大家就会想到女高音，男高音，虽然也有男中音，女中音，但是那些不是大众的菜，要是听一次歌剧没有听到高音，大部分观众会觉得自己的票白买了，其实说白了就是正真爱的人少，附庸风雅的多。

我们接受歌剧的时间确实没那么长，或者说我们由于现在的流行歌本来就是从歌剧来的，所以也有一些观众爱把对流行歌的见解加之到歌剧上。也就造成今天，中国歌剧舞台上能够做到以情动人的歌者寥寥无几。

那现在来看看京剧，由于打着东方歌剧的招牌，观众继续把对歌剧的见解放在戏曲上。要是演员的声音不够尖，唱的不够高，就会被认为唱的不好，水平不够。

但是真正好的旦角的标准，就是声音要圆润，要耐听不吵，要的是享受而不是听觉刺激。

在享受一点上，古人真是玩到极致了，他们很早就知道艺术要“以情动人”，只要是演员，就要以演人物为标准。古人爱莺啼婉转，爱留白的表现方式极大的丰富了戏曲的内涵。不可否认，戏曲的健全和发展，和台下这些观众有不少关系。

很多人说戏曲旦角声音尖细，刺耳朵，那我只能说，是那个演员的问题，去听听如今已成角的演员，或者去听听老唱片，你绝对会有不一样的感受。

歌剧气听得是情感。戏曲听得不仅是情感，还有韵味。听戏听韵，一旦知道了什么是韵味，那估计这辈子都爱听戏了。 戏曲的韵味分为两种，一种体现在演员演唱或者念念白时使用的发音技巧，比如控制咽音和脑后音，还有提溜劲、还有注意字头字尾的发音。就说余叔岩的“云遮月”嗓音特点，什么是“云遮月”？简单来说就是乍一听听不清，但是越听越想听。至于为什么想要一直听，就是因为唱得有韵味。我最早听余叔岩先生的唱段，刚开始时确实听不下去，但是时间长了，就感觉这个声音在撩拨你的心，只要听到这个声音就感觉自己浑身舒服。余叔岩先生喜爱“提着唱”，比如《搜孤救孤》中的“白虎”一句。

舞蹈

还有一种韵味体现在身段上，可以称为身韵。身韵这个词在舞蹈上较为多见，古典舞特意分出了一个身韵派的分支，这个舞种就广泛的吸收了戏曲的身韵然后融合到了舞蹈中。但是身韵舞到底是舞蹈，还是和真正的戏曲身韵有很大的不同，戏曲的身段讲究要圆润，不能有棱角，也不能出现“过了”的表演，一切表演都要不愠不火才好。但是舞蹈就不一样了，舞蹈就是用肢体语言来表演情绪，所以舞蹈的动作往往比较夸张，而且舞蹈也讲究要有高潮。如果你爱看舞剧，就可以发现舞剧中总有一个十分炫技的情节，比如连续的“云里前桥”，这个情节就是观众鼓掌的时候。戏曲中也有这种高潮，但是大多存在于武戏当中，文戏少见。

歌剧是导演为中心，演员为剧本服务，布景为剧本服务，所以歌剧的布景时常是繁杂的，宏大的。

京剧交响乐

戏曲是以角为中心，所有一切都是为角服务，布景造的很简洁，也可以理解为是不让布景抢角的戏。虽说歌剧和京剧都是为了演人物，但是，完全是不同的艺术体系。

很多人喜欢把歌剧融入到戏曲中，确实很惊艳，独特的交响乐，宏大的布景，让人一看就觉得十分震撼，十分吸引眼球。但是，听戏要是听多，懂一些了，就会觉得交响乐过于嘈杂，时常盖过戏迷想听的锣鼓点或者是某一句非常细致的唱腔。

其实，融合确实有意思，但是还是让时间证明一切吧，毕竟实践是检验真理的唯一标准。

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